Retrouver le cinéma par la pellicule
Il y a des formats qui ne meurent jamais vraiment. Le Super 8, longtemps associé aux films de famille et aux souvenirs d’enfance, connaît aujourd’hui une nouvelle vie à travers des cinéastes qui en font un terrain de jeu exigeant, poétique et radical. Parmi eux : Frédéric, 55 ans, installé à Belleville, passionné de cinéma depuis toujours et artisan d’un cinéma où la contrainte devient une force.
Ancien restaurateur numérique au laboratoire Éclair, où il a passé vingt-cinq ans au contact direct d’un patrimoine centenaire, Frédéric a ensuite bifurqué vers la retouche beauté dans l’industrie du luxe. Mais derrière ce parcours professionnel, une constante demeure : le goût du cadre, du mouvement, et du film comme matière.
Une enfance en accéléré
Chez Frédéric, le Super 8 n’est pas une lubie récente : c’est une madeleine.
Dans son enfance, avec ses frères, il récupère la caméra de sa mère pour tourner « des bêtises » en tourné-monté. Le principe est simple : filmer à 18 images/seconde, projeter à 24, et obtenir une accélération comique immédiate.
« L’effet est cette accélération des mouvements, et c’est toujours drôle ! C’est comme les films anciens des burlesques américains. »
Le Super 8 devient aussi un terrain d’expérimentation : petits dessins animés, animation image par image, objets qui semblent se déplacer seuls… Mais surtout, il y a cette dimension aujourd’hui presque disparue : l’attente.
« On guettait la boîte aux lettres comme on guettait chaque mardi la parution de Pif Gadget. »
Une fois la pellicule développée arrivée, on installait le projecteur et on découvrait le résultat : parfois décevant, mais toujours surprenant. Une forme d’apprentissage par la patience, et par le hasard.
Pourquoi filmer en Super 8 aujourd’hui ?
À l’ère du numérique, filmer en Super 8 pourrait sembler absurde. Le coût est élevé, le format est devenu un marché de niche, et la plupart des films finissent de toute façon scannés, montés et étalonnés sur ordinateur avant d’être projetés.
Alors pourquoi continuer ?
Pour Frédéric, le Super 8 n’est pas seulement un look. Ce n’est pas un filtre. C’est une discipline.
« On ne peut plus faire n’importe quoi, faire un nombre infini de prises. C’est la fin du “On verra ça en post-prod”. »
À cela s’ajoute une dimension esthétique difficile à imiter : la profondeur, le grain, les nuances, et surtout une forme de présence.
« Le Super 8 a quelque chose d’envoûtant dans son rendu du vivant… un visage, une peau, un feuillage : c’est une image qui promet des nuances inattendues. »
Les effets spéciaux artisanaux : tromper l’œil en une prise
Ce qui distingue particulièrement les films de Frédéric, notamment Mar’s Liner et La Pie voleuse, c’est la place accordée aux effets spéciaux artisanaux. Pas d’images de synthèse, pas de trucage numérique : ici, le décor se fabrique et se peint.
La technique principale qu’il utilise s’appelle le glass painting (peinture sur plaque transparente). Le principe : peindre un décor fictif sur une grande plaque de plexiglas, puis l’ajuster au décor réel dans l’axe de la caméra.
Résultat : une image composite, obtenue en une seule prise, qui mélange décor naturel et décor peint.
Pour Mar’s Liner, Frédéric peint ainsi un désert martien en laissant une zone transparente au centre de la plaque, permettant à l’acteur d’évoluer dans une carrière de sable réelle, raccordée visuellement au paysage peint. Plus loin, il suspend une maquette de fusée au centre d’une plaque et ajuste l’axe de prise de vue pour donner l’illusion qu’elle est posée dans une prairie.
« C’est un dispositif un peu lourd… mais payant. »
La limite : la profondeur de champ
Ces effets, aussi efficaces soient-ils, ont un ennemi redoutable : la profondeur de champ.
Si l’on fait la mise au point sur la plaque située à 1,50 m, le décor réel situé à 20 m risque d’être flou. Et comme le Super 8 travaille souvent en lumière naturelle avec un iris plutôt ouvert, le problème se renforce.
Frédéric assume avec humour cette contrainte :
« Le spectateur de films Super 8 est particulièrement compréhensif et tolérant… loué soit-il ! »
Il raconte même qu’un plan composite est particulièrement réussi… parce que l’acteur était littéralement collé au décor, le nez contre l’image.
De Méliès à Star Wars : l’histoire d’un trucage
Une méthode que Georges Méliès utilise dès les débuts du cinéma, et que Star Wars pousse à un niveau spectaculaire dans L’Empire contre-attaque et Le Retour du Jedi.
Mais pour Frédéric, l’arrivée du numérique, de la 3D et aujourd’hui de l’IA ne rend pas ces techniques obsolètes. Au contraire.
« Chaque nouvelle technique se rajoute à celles qui préexistent, sans les effacer. »
Il cite Interstellar de Christopher Nolan, tourné sur pellicule avant d’intégrer une chaîne d’effets numériques : un choix artistique qui marque le film.
Une cinéphilie entre Hollywood classique et Nouvelle Vague
Les influences de Frédéric ne viennent pas seulement de la technique. Elles viennent d’une cinéphilie nourrie par les salles et par ses études à Paris 8.
Son socle : ce qu’il appelle le « réalisme hollywoodien », de Griffith à l’âge d’or d’après-guerre, jusqu’à un réalisme néo-classique contemporain. Des films attachés au récit, mais capables d’une grande liberté formelle, y compris dans le mélange des genres.
Clint Eastwood est, pour lui, un exemple emblématique.
Côté français, il cite Jean Renoir, Jacques Tati, Alain Resnais, Claude Chabrol, Godard et la Nouvelle Vague. Il se dit en revanche moins proche de la veine naturaliste dominante aujourd’hui.
Le tourné-monté : la contrainte comme moteur
Les films de Frédéric s’inscrivent aussi dans l’esprit du tourné-monté, une pratique mise en avant notamment par le Festival de Neuchâtel : une technique où l’on tourne directement dans l’ordre final, sans possibilité de montage ultérieur.
Frédéric choisit systématiquement la cadence de 24 images/seconde, pour la qualité du mouvement, mais cela réduit fortement la durée possible d’un film : environ 2 minutes 20 sur une cartouche.
Après Mar’s Liner, dont la richesse symbolique a parfois dérouté ses proches (« ton film est chouette mais on ne comprend rien ! »), il cherche avec La Pie voleuse une narration plus simple, plus burlesque, plus lisible.
Il imagine une voleuse spatio-temporelle au service d’un collectionneur d’art du futur : un duo à la Laurel et Hardy qui finit par se faire attraper. Une comédie qui évoque, en filigrane, la vénalité, la toute-puissance, et le désir de posséder.
Tourner, c’est aussi embarquer les autres
Si les décors peints et les maquettes demandent du temps, Frédéric insiste sur une difficulté plus grande encore : organiser le tournage.
Trouver des amis prêts à jouer, aider, composer de la musique, se rendre disponibles… est un défi à part entière. Il y consacre un été.
Pour préparer le film, les plans tournés sont filmés au smartphone, puis assemblés sur un banc de montage en se basant sur l’enregistrement sonore du moteur de la caméra Super 8. Une méthode pratique, mais approximative : le son ne permet pas de déduire la durée exacte à l’image près.
Avec une quarantaine de plans, l’imprécision se cumule : la marge d’erreur peut atteindre plusieurs dizaines d’images en fin de bobine. La musique est donc pensée moins comme une synchronisation stricte que comme une ambiance globale.
Projets futurs : continuer, mais autrement
Après Mar’s Liner et La Pie voleuse, Frédéric veut continuer à filmer en Super 8, mais avec des projets moins éprouvants que le tourné-monté : des fictions plus légères, avec montage numérique.
Et pourquoi pas, un jour, passer au 16 mm.
Quelques conseils pour se lancer
Frédéric partage aussi plusieurs conseils concrets pour celles et ceux qui voudraient se lancer :
- privilégier des compositions simples et lisibles (la surface Super 8 est petite)
- ne pas hésiter à éclairer pour fermer l’iris et gagner en profondeur de champ
- se méfier des pellicules et de la balance lumière du jour / tungstène (ex : Kodak 50D)
- faire un film-test : les caméras anciennes peuvent cacher des défauts mécaniques
- tourner sur trépied si l’on souhaite éviter l’effet de caméra flottante
Enfin, il souligne une réalité qui change tout : aujourd’hui, internet et les outils comme ChatGPT permettent de se documenter en profondeur sur les caméras, les pellicules, les effets, les méthodes.
« C’est une chance énorme qu’on n’avait pas lorsqu’on était gamins dans les années 1980… Donc : à vos projets ! »
